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id.real, CUESTIÓN DE INSPIRACIÓN

Nos gusta. Nos gusta mucho hablar y escuchar a las personas que un día se vieron atrapadas por la creatividad. Sí, en esta entrada compartimos con todos una conversación íntima con id.real, el estudio de diseño 360º que vive realmente el design thinking.

Uno, dos, tres, cuatro, cinco. Tomas aire y casi cierras los ojos para traspasar la puerta del estudio de id.real en la calle Castelló 19. Ahora estás en otro mundo. Atrás han quedado el frío y las bulliciosas calles. Dentro el calorcito, las conversaciones pausadas y alguna que otra risa. Y la música, claro, siempre la música.

La música que baila sigilosa entre las palabras, las risas y las pausas de Anouk de Lesparda, Fabio Molinas y Ana Martín. Nuestros interlocutores en esta conversación amparados por los tejados de Madrid y la luz matutina que entra a raudales por las ventanas cenitales del estudio.

¿Qué era el espacio que hoy ocupa id.real?

(Anouk de Lesparda) Este espacio tiene una historia interesante. Desde 1900 fue las caballerizas del edificio de Castelló 19 y con el tiempo adquirió otras funciones: una fábrica de piezas metálicas, (por eso hemos conservado un torno al que hemos dado un lugar dentro del estudio), también fue una fábrica de muñecas de trapo, incluso un garaje para reparar coches. Finalmente fue una tienda de mobiliario de diseño (Mec). Y ahora nosotros, un estudio creativo, multidisciplinar y multicultural, que reúne la misma historia que Castelló 19, porque aquí conviven muchas disciplinas y es multifuncional. El espacio se ha creado con ese concepto. Pensando en la distribución del espacio y tratando de integrarnos en esa evolución multifuncional en nuestro día a día, dando protagonismo especial a la galería, al espacio creativo y también a los eventos que hemos realizado.

El diseño es autoría de Dariel Studio en colaboración independiente con la diseñadora de interiores y CEO de id.real Anouk de Lesparda.

¿Cómo abordasteis la remodelación de un sitio tan singular para convertirlo en vuestro lugar?

(Anouk) Hoy en día los espacios de trabajo no son como los de antes. Pasamos más tiempo en la oficina que el que pasamos en casa. Por eso la manera de abordar actualmente un espacio de trabajo parte de un término, cosy. Hay que pensar en la luz natural y en los espacios para que sean cómodos. Espacios no solo de trabajo sino también de lunch, de cocina para reuniones, de convivencia con tu equipo. Los materiales son igual de importantes. Deben de ser atemporales, pero también nobles y con dinamismo en la manera de aplicarlos dentro de suelos, falsos techos, etc. Tratando de crear una evolución continua a los años con una base muy neutra, pero con toques de color del mobiliario.

Be curious

¿Cómo ha crecido el equipo?

(Anouk) Empezamos siendo dos. El equipo ha crecido en base a las necesidades del estudio. Al principio la necesidad era crear la parte administrativa y el espacio donde íbamos a estar. Por eso se puede decir que el crecimiento de id.real va a la par del crecimiento del equipo, de los clientes y del estudio como tal.

¿Creéis que el creativo tiene otro tipo de necesidades para trabajar?

(Fabio Molinas) Lo principal para un creativo es trabajar en un entorno confortable y eso lo hace tanto el espacio como los compañeros. Aquí tenemos un espacio muy bonito y funcional, que al mismo tiempo es el lugar en el que creamos sinergías y buenas relaciones entre nosotros. Creo que esa es la clave para que un trabajo salga bien y para fomentar la creatividad. Las buenas energías, las diferentes skills que cada uno aporta y que se pueden juntar. Esa es la clave para el éxito. El binomio espacio y humano es lo que produce el cocktail ganador en todas las vertientes de la vida.

¿Cómo se entrena un creativo todos los días?

(Fabio) Un creativo siempre tiene que estar retado por algo, incluso algo que no domine muy bien o no sepa hacer. Eso es como un challenge para él. Es el momento cuando la creatividad encuentra su terreno. Si solo estuviéramos haciendo lo que sabemos hacer todo se convertiría en aburrido. Mientras un reto continuo te hace crecer y provoca que la innovación vaya por delante.

Un creativo siempre tiene que estar retado por algo, incluso algo que no domine muy bien o no sepa hacer.

¿Qué significa el término design thinking para vosotros?

(Ana Martín) Design thinking es una metodología de trabajo. Se trata de utilizar la manera habitual del trabajo en diseño, aplicándolo a cualquier solución.

(Fabio) Es un continuo idear hasta dar con la solución adecuada. Es una forma de ahorrar gastos y evitar errores. Si se produce algo y no tiene mercado, la culpa será por no haber hecho un estudio previo. Eso ahorra muchísimo dinero antes de lanzar un producto.

Esta idea me sugiere el discurso de muchos artistas, por lo que os pregunto ¿cuándo el diseño se acercó tanto al arte?

(Anouk) Desde el punto de vista creativo, ya que somos diseñadores, la relación ha existido siempre, lo que pasa es que algunos lo habían olvidado. Cuando decidimos hacer la galería de arte en nuestras instalaciones, fue porque sabemos que parte de los orígenes del diseño vienen del arte. Dalí diseñó el logo de Chupa-Chups, y no se catalogaba como un diseñador gráfico, sino como un artista y como otras muchas cosas más. Los artistas en su época eran arquitectos, ingenieros y pintores. Eran graphic designer pero también eran artistas. Creemos que el arte es disruptivo. Que te lleva a la innovación y a preguntarte de una manera constante cosas sobre la vida, las necesidades y sobre funciones. El arte no simplemente se adapta al diseño sino se adapta al negocio, al marketing y otras disciplinas.

(Fabio) El arte te permite también soñar. Hacer cosas que no existen, materializar algo inexistente. El mundo del negocio cogió ese tipo de concepto porque las personas necesitan soñar y ver diferentes disciplinas y elementos. La creatividad viene de eso, de la capacidad de soñar.

¿Recordáis aquella época en la que los 360º grados no se veían bien, sino que era necesario ser “el especialista”?

(Ana) Para alcanzar esta evolución ha ayudado mucho lo digital. Es cierto que al principio se intentó crear esa separación, porque es a lo que estábamos acostumbrados, a los especialistas en una cosa o en otra, pero el tiempo y el usuario han decidido que las disciplinas tienen que estar integradas, que tiene que ser 360º.

(Anouk) Esta tendencia multidisciplinar que hay hoy en día es también gracias a los cambios y necesidades de la sociedad. Creo que la crisis nos ha llevado a aprender a hacer algo más que una cosa porque es importante ser útil. Esta evolución social y económica nos ha llevado a ser multidisciplinar. Y no es algo que viene de hoy, sino que es algo retro y vintage que estaba en grandes arquitectos como Mies van der Rohe.

(Ana) A nivel de equipo y de trabajo es mucho más enriquecedor. Tú colaboras porque estás en la misma organización, pero al mismo tiempo sigues aprendiendo.

(Fabio) Uno de los puntos fuertes del estudio es la figitalización, el pensar en productos tangibles e intangibles al mismo tiempo, y eso solo se consigue gracias a un equipo multidisciplinar, donde estudiamos los hábitos del usuario y cómo facilitarle la vida.

La figitalización es el lugar de encuentro entre lo físico y lo digital.

¿Está la sociedad preparada para la figitalización?

(Anouk) Ya estamos en ello. No todo está ya adaptado, pero vamos hacia la figitalización. Un buen ejemplo es el de los bancos que empezaron siendo 100% digitales, y han tenido que ir abriendo sus oficinas físicas. La gente quiere lo digital por la transparencia que ofrece, pero al mismo tiempo necesita la experiencia y el contacto humano en los sitios. Pero unos y otros van a tener que adaptarse para trabajar de una manera figital.

(Fabio) No nos olvidemos que somos seres humanos. Nuestro instinto es el de relacionarnos con cosas tangibles, no sólo con el sentido de la vista, sino que queremos tocar, oler, ver. Necesitamos estar rodeados de lo tangible y las empresas que solo se ocupan de lo digital se pierden la importantísima parte física del negocio.

(Ana) Es quizá también una consecuencia del boom de lo digital. Pero la idea es que hagamos digital lo que es útil, lo que te lleva a una mejor experiencia y un mejor producto.

¿De dónde surgió la idea de establecer una galería de arte en vuestro espacio de trabajo?

(Ana) La idea vino con el diseño del espacio. Por las características que tenía este paso de carruajes nos pareció una pena que se quedase en un simple lugar de tránsito. Como estudio de diseño, nos gusta recordar que la inspiración de los diseñadores viene muchas veces del mundo del arte y de la innovación. Como equipo es una inspiración cada vez que entras a trabajar. Y como jóvenes creativos que hemos sido todos, es muy importante que existan iniciativas que apoyen a los que están empezando. La creatividad es algo muy valorado a veces y muy poco otras. Y el hecho de crear una galería que funciona de una manera diferente es muy positivo, ya que no hay muchas oportunidades para empezar en el mundo del arte. Nos gustaba la idea de tener un lenguaje de tú a tú. Queremos hablar de una manera mucho más directa, explicando porque hemos enlazado una obra con el tema de la exposición.

(Anouk) El arte está dentro de nuestros valores, puesto que es innovación y tiene también carácter disruptivo. También por la inspiración que nos da día a día. Puesto que las exposiciones cambian cada tres meses y el diseño del espacio que ideamos para cada una es específico. Es tanto la oportunidad que tiene el artista, como la inspiración que nos aporta a nosotros. Como hemos dicho al principio, nuestro espacio tiene que evolucionar. La galería es una manera de dar vida al estudio. Hoy están estos artistas y mañana estarán otros. El diseño será diferente en la próxima exhibición. Hay que darle vida al espacio, una vida que motive e inspire.

Becorious Gallery está abierta a la colaboración de espónsores que quieren acercar sus valores al esfuerzo de los jóvenes creadores.

¿Cómo elegisteis la temática de esta primera exposición?

(Ana) En esta primera ocasión quisimos enlazarlo con una pregunta muy actual que es cómo será el futuro de la industria del viaje. El cómo viajaremos y porque viajaremos.
Por eso cada artista ha hecho una reflexión acerca del viaje. Éric Magin reflexiona sobre como la conciencia de cada uno cambia cuando viaja a esos otros lugares y las consecuencias que entraña la diferencia cultural. Carla Lucena nos invita a una reflexión sobre el futuro del hospitality, en el que la inmersión total en un lugar será posible con un nivel invasivo del medio prácticamente nulo. Marina Anaya recapacita sobre la finalidad última del viaje, la cual en muchas ocasiones es la de compartir el tiempo con otra gente. Bakea nos aporta los mejores retratos de familia en viaje, pero en esta ocasión de viaje intergaláctico. Manuel Marsol comparte sus viajes por medio de los cuadernos que le han acompañado siempre, en contraposición a la forma de compartir de hoy en día que es el social media. Masaaki Hasegawa vislumbra la vida como un auténtico viaje en el que la conexión entre las personas va más allá del lenguaje.

(Anouk) La próxima exhibición será en febrero o marzo del año que viene y ya estamos desarrollando ideas. Tratamos de encontrar un concepto y dar la oportunidad a diferentes artistas en una misma exposición o si es necesario, dar todo el espacio a una sola propuesta.

¿Qué tiene que hacer un creativo para exponer aquí?

(Ana) Mediante la página web de la galería, Becurious Gallery, se pueden poner en contacto con nosotros y mandarnos sus propuesta. Buscamos cualquier tipo de disciplina. Nos gustan especialmente las propuestas donde hay colaboraciones entre varios artistas, o se provoca la transdisciplinaridad. Es muy importante para los artistas que estén interesados saber que nosotros vendemos las obras y que el precio íntegro de la obra va para ellos. Por eso estamos abiertos a la colaboración de espónsores, empresas y marcas que quieren acercar sus valores al esfuerzo de los jóvenes creadores.

The future of journey podrá verse hasta el 11 de enero en Castelló 19.

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